Fondazione Prada: 'Art or Sound’ Opening

 

Ca’ Corner della Regina, Venezia

7 giugno - 3 novembre 2014

Venezia, 4 giugno 2014 - La Fondazione Prada presenta nella sua sede veneziana di Ca’ Corner della Regina la mostra “Art or Sound”, a cura di Germano Celant, dal 7 giugno al 3 novembre 2014.

Concepita come un’indagine attraverso il passato e il presente, “Art or Sound” affronta le problematiche, scaturite dal Cinquecento a oggi, relative al rapporto tra arte e suono, agli aspetti iconici degli strumenti musicali, nonché al ruolo dell’artista musicista e agli ambiti in cui arti visive e musica si sono incontrate. La mostra vuole indagare la relazione di simmetria e ambivalenza che esiste tra opera d’arte e oggetto sonoro. L’intento è di proporre una rilettura dello strumento musicale che diventa entità plastico-visiva e del manufatto artistico che produce suono, in una continua invasione e inversione di campo.

Il percorso espositivo si sviluppa nei due piani principali di Ca’ Corner della Regina e riunisce più di 180 opere e oggetti, tra automi e macchine musicali, dipinti e partiture, sculture e readymade, strumenti musicali decorati, assemblati, immaginari e silenziosi. Per la prima volta sono utilizzati il portego e le stanze laterali del secondo piano nobile: 800m2 ^{restaurati nel quadro del programma di recupero architettonico intrapreso nel 2011 dalla Fondazione Prada.}

Il titolo “Art or Sound” tende a non esprimere un’opposizione, ma piuttosto il confronto tra due ambiti indipendenti. Individua un territorio di libero transito che negli ultimi cinque secoli ha fatto fluire l’arte nel suono e il suono nell’arte, mantenendone la reciproca autonomia. Pertanto lo spettatore, osservando e ascoltando le opere in mostra, è invitato e stimolato a identificare la varietà di trame e percorsi attraverso i quali arte e suono hanno intrapreso un itinerario comune o si sono intrecciati.

Il risultato espositivo e museale aspira a offrire una partecipazione allargata rispetto al percepire univoco del manufatto artistico, dominato dalla dittatura dello sguardo, così da affiancare l’elemento sonoro a quello visivo. Il fine è di esplorare la possibilità di un esporre sempre più multisensoriale dove al vedere si aggiungano l’ascoltare, il toccare, l’odorare e il gustare, così da arricchire attraverso tutti i sensi la conoscenza dell’arte.

Cercando di documentare questo passaggio tra ascoltare e vedere e viceversa, il percorso storico prende il via con i dipinti a soggetto musicale realizzati da Bartolomeo Veneto e Nicola Giolfino tra il 1520 e il 1530 e una serie di strumenti musicali del secolo successivo che, pur riproducendo i suoni in maniera tradizionale, sono caratterizzati da un elemento estetico e visivo che si traduce in una plasticità sorprendente. Si va, ad esempio, dalle chitarre e violini in marmo intarsiato di Michele Antonio Grandi e Giovanni Battista Cassarini, a un cornetto a forma di serpente e testa di dragone del Seicento, oggetto unico per l’originalità del suo aspetto esteriore e la qualità della lavorazione, nonché per i risultati sonori. A seguire, l’esposizione riunisce una serie di automi musicali settecenteschi, come i preziosi orologi a forma di gabbietta dello svizzero Pierre Jaquet-Droz, già famoso all’epoca in tutta Europa per il grado di eccellenza raggiunto nella costruzione di meccanismi musicali. Prosegue

con strumenti automatici dell’Ottocento come il pirofono, lo strumento a gas inventato nel 1870 da Frédéric Kastner che, se suonato, produce segnali luminosi. Sono presentate anche le ricerche nel campo della sinestesia e le sperimentazioni che, dal Futurismo al Dadaismo, hanno comportato l’integrazione e l’assunzione in musica di rumori, come i celebri intonarumori (1913) di Luigi Russolo, o di suoni vernacolari come il Ciac Ciac (1914) di Giacomo Balla, mentre in With Hidden Noise (À bruit secret) (1916) Marcel Duchamp esplora per la prima volta la dimensione del silenzio nell’arte.

Un particolare rilievo è dato alle partiture originali della fine degli anni Cinquanta elaborate da John Cage, compositore d’avanguardia e figura di riferimento per il movimento Fluxus - rappresentato in mostra dalle opere di George Maciunas e Joe Jones - e per tutti gli artisti che hanno esplorato il principio d’indeterminazione e casualità nella musica e nell’arte contemporanea. Sul piano dell’oggetto che comunica in maniera tautologica il suono prodotto in fase di costruzione o in grado di esprimersi autonomamente una volta acceso, vengono esposte le scatole di Robert Morris, Nam June Paik e Bruce Nauman, oppure sculture cinetiche realizzate da artisti come Stephan von Huene e Takis. Le opere dei Nouveaux Réalistes, come Arman e Jean Tinguely, documentano attraverso strumenti o dispositivi musicali fenomeni di distruzione e assemblaggio fortuito, mentre Oracle (1962- 65) dell’artista americano Robert Rauschenberg, nel seguire gli stessi principi, si presenta come un environment sonoro costruito con oggetti di recupero e materiali d’uso comune.

In mostra sono presenti anche esempi di appropriazione iconica e formale dello strumento musicale, come gli insiemi pop - da Tom Wesselmann a Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - o i pianoforti di Günther Uecker, Richard Artschwager e Joseph Beuys, a cui si aggiungono strumenti ibridi, vere e proprie sculture da suonare, come le chitarre e i violini di Ken Butler e i banjo di William T. Wiley. Nel territorio dell’esecuzione e della performance che allarga il significato della pittura, affiancando la presenza di un violinista e di una ballerina che eseguono lo spartito visivo, si pone l’opera Senza Titolo (da inventare sul posto) (1972) di Jannis Kounellis, mentre Handphone Table (1978) di Laurie Anderson, Crossfading Suitcase (2004) di Loris Gréaud e Marble Sonic Table (2011) di Doug Aitken sono opere che richiedono l’interazione con il pubblico per esprimere la loro sonorità.

Questa esplorazione nel territorio aperto, ibrido ed ambiguo tra arte e suono si spinge verso le ricerche più recenti di artisti quali Christian Marclay, Janet Cardiff, Martin Creed, Thomas Demand, Maurizio Cattelan e Rebecca Horn, fino a documentare la produzione di una nuova generazione di artisti sonori o visivi, di performer o compositori rappresentata, tra gli altri, da Anri Sala, Athanasios Argianas, Haroon Mirza, Ruth Ewan, Walter Kitundu, Tarek Atoui, Riccardo Beretta, Pedro Reyes, Alberto Tadiello e Maywa Denki.

Il progetto di allestimento di “Art or Sound”, ideato dallo studio 2x4 di Michael Rock, richiama uno spartito, dove la struttura lineare crea la planimetria e la disposizione ambientale dei supporti, mentre i singoli elementi della scrittura musicale sono sostituiti dagli oggetti e dagli strumenti in mostra. Un materiale fonoassorbente ricopre piedistalli e pavimenti dei due piani di Ca’ Corner e attenua la diffusione allargata dei suoni così da consentirne la percezione relativa ad ogni singola opera.

La mostra è arricchita e completata da una pubblicazione che ricostruisce storicamente e analizza le analogie, le osmosi e le corrispondenze tra le ricerche e le sperimentazioni in campo artistico, sonoro e musicale dal Rinascimento a oggi. Attraverso i numerosi contributi scientifici di artisti e musicisti, storici d’arte e di musica come

Jo Applin, Germano Celant, Luciano Chessa, Christoph Cox, Geeta Dayal, Patrick Feaster, Christoph E. Hänggi, Bart Hopkin, Douglas Kahn, Alan Licht, Andrea Lissoni, Noel Lobley, Deirdre Loughridge, Simone Menegoi, Holly Rogers, Jonathan Sterne, David Toop, John Tresch, Eric de Visscher e Rob Young, il volume intende essere un ulteriore contributo allo studio di una percezione multisensoriale delle arti.

Informazioni sulla mostra

TITOLO: “Art or Sound”

SEDE: Ca’ Corner della Regina, Venezia

INDIRIZZO:

Calle de Ca’ Corner, Santa Croce 2215 - 30135 Venezia

Fermate Vaporetto Linea 1: San Stae e Rialto Mercato

DATE E ORARI DI APERTURA AL PUBBLICO: 7 giugno - 3 novembre 2014; dalle 10.00 alle 18.00.

Giornata di chiusura: martedì. La biglietteria chiude alle 17.30.

BIGLIETTI:

Biglietto Intero: 10 €

Biglietto Ridotto: 8 € (studenti entro i 26 anni; Aderenti Carta Giovani Venezia, FAI, Rolling Venice, Touring Club Italiano, Venice Card; gruppi composti da 5 a 25 persone).

Ingresso gratuito: Aderenti ICOM, Deutsche Bank Art Card, visitatori con età inferiore ai 18 anni, senior oltre i 65 anni, giornalisti accreditati o in possesso della tessera stampa in corso di validità.

SERVIZI PER IL PUBBLICO:

Visite guidate, a cura di Coop Culture - Venezia, disponibili su prenotazione:

+39 041 5240119, fondazioneprada@coopculture.it

Prezzo della visita guidata: 80 euro, oltre il costo del biglietto d’ingresso

PUBBLICAZIONE:

“Art or Sound”, a cura di Germano Celant, pubblicato da Progetto Prada Arte, Milano: 520 pagine, 150 illustrazioni, prezzo di copertina 70 euro (prezzo in mostra 60 euro)

INFORMAZIONI PER IL PUBBLICO:

T + 39 041 8109161, Venezia

T + 39 02 54670515, Milano

info@fondazioneprada.org

www.fondazioneprada.org

 

Fondazione Prada

“Art or Sound”

Ca’ Corner della Regina, Venice

June 7 - November 3, 2014

Venice, June 4, 2014 - Fondazione Prada presents “Art or Sound”, curated by Germano Celant, at its Venetian venue, Ca’ Corner della Regina. The exhibition runs from June 7 to November 3, 2014.

 

Conceived as an investigation of past and present times, “Art or Sound” explores the relationship between art and sound and the way it has developed from the 16th century to the present day, examining the iconic aspects of musical instruments, the role of the artist-musician, and the areas in which the visual arts and music have come together. The exhibition sets out to investigate the relationship of symmetry and ambivalence that exists between works of art and sound objects. The intention is to offer a reinterpretation of the musical instrument that turns into a sculptural-visual entity and of the artworks that produce sound, in a continual encroachment and inversion of fields.

 

The exhibition will comprise more than 180 artifacts—clocks and carillons, automata and musical machines, paintings and scores, sculptures and readymades, together with decorated, assembled, imaginary and silent musical instruments—and will occupy the two main floors of Ca’ Corner della Regina. For the first time the rooms on the second piano nobile will be used: 800 sq. m that have been restored as part of the program of renovation of the building undertaken by Fondazione Prada since 2011.

The title “Art or Sound” is not intended as an expression of opposition, but rather as the encounter between two independent realms. It identifies an area of free transition that, over the last five centuries, has allowed art to flow into sound and sound into art, while maintaining their mutual independence. Therefore the visitor, observing and listening to the works on display, is invited to identify the variety of ways through which art and sound have embarked on the same journey or become intertwined.

The exhibition is organized in order to offer the viewer a broader engagement than that provided by the categorical perception of the artwork dictated by the eye, thus giving both the acoustic and visual elements equal prominence. The aim is to explore the possibilities of a multisensory approach to appreciating exhibits, where the act of seeing is accompanied by those of hearing, touching, smelling and tasting, enriching the understanding of art through all our senses.

Seeking to document the transition between hearing and seeing and vice versa, the exhibition takes a historical perspective, starting out with music-themed paintings by Bartolomeo Veneto and Nicola Giolfino realized between 1520 and 1530, moving on to a series of musical instruments from the following century that, while producing sounds in a traditional manner, are characterized by an aesthetic and visual element that translates into a surprising plasticity. They range, for instance, from the inlaid marble guitars and viola created by Michele Antonio Grandi and Giovanni Battista Cassarini to a 17th-century cornett in the form of a serpent with a dragon’s head, an object that is unique in the originality of its external appearance and the quality of its craftsmanship and of the sounds

it produces. These are followed by a series of 18th-century musical automata, such as the precious clocks in the form of a birdcage made by Swiss craftsman Pierre Jaquet-Droz, already famous all over Europe for the level of excellence he had achieved in the construction of musical mechanisms. The exhibition continues with automatic instruments of the 19th century like the pyrophone, the gas-powered instrument invented in 1870 by Frédéric Kastner that produces luminous signals when played. It also looks at research carried out in the field of synesthesia and at musical experiments that, from futurism to dadaism, have been made in integrated noises, such as Luigi Russolo’s famous intonarumori (1913), or vernacular sounds like Giacomo Balla’s Ciac Ciac (1914), while in With Hidden Noise (À bruit secret) (1916) Marcel Duchamp explored the dimension of silence in art for the first time.

Particular prominence is given to the original scores from the late 1950s written by John Cage, avant-garde composer and figure of reference for the Fluxus movement—represented in the exhibition by works by George Maciunas and Joe Jones—and for all the artists who have explored the principle of indeterminacy and chance in music and contemporary art. On the side of the object that tautologically communicates the sound produced during its construction or is capable of expressing itself autonomously once turned on, the exhibition presents the boxes of Robert Morris, Nam June Paik and Bruce Nauman, as well as kinetic sculptures made by artists like Stephan von Huene and Takis. The works of the Nouveaux Réalistes, such as Arman and Jean Tinguely, document phenomena of fortuitous destruction and assembly through musical instruments or devices, whilst Oracle (1962- 65) by Robert Rauschenberg, in line with the same principles, is a sound environment constructed out of salvaged objects and commonly used materials.

Also on display in the exhibition are examples of appropriation of the image and form of the musical instrument, such as the pop assemblages by artists from Tom Wesselmann to Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen or the pianos of Günther Uecker, Richard Artschwager and Joseph Beuys, along with hybrid instruments, genuine sculptures that can be played, like the guitars and violins of Ken Butler and the banjo of William T. Wiley. Jannis Kounellis’s work Senza Titolo (da inventare sul posto), in which a violinist and a ballerina improvise in front of a painted score, is an example of a performance that broadens the meaning of painting, while Laurie Anderson’s Handphone Table (1978), Loris Gréaud’s Crossfading Suitcase (2004) and Doug Aitken’s Marble Sonic Table (2011) are works that require interaction with the public to produce their sounds.

This exploration of the open, hybrid and ambiguous territory that lies between art and sound leads us to the more recent research of artists like Christian Marclay, Janet Cardiff, Martin Creed, Thomas Demand, Maurizio Cattelan and Rebecca Horn, and then to the production of a new generation of sound or visual artists, performers or composers, represented by Anri Sala, Athanasios Argianas, Haroon Mirza, Ruth Ewan, Walter Kitundu, Tarek Atoui, Riccardo Beretta, Pedro Reyes, Alberto Tadiello and Maywa Denki, among others.

The display system for “Art or Sound”, designed by global consultancy 2x4 led by Michael Rock, is informed by the structure of a musical score. The linear organization determines the arrangement of the bases and pedestals in the environment, while the objects and instruments in the exhibition act as individual elements of a musical notation. The floors and display stands on both floors of Ca’ Corner are covered with sound-attenuating materials allowing visitors to focus on individual works.

The exhibition is accompanied by an extensive publication that reconstructs the analogies, osmosis and parallels

between the research and experimentations in art, sound and music from the Renaissance to the present day. Through numerous essays by artists, musicians and historians of art and music like Jo Applin, Germano Celant, Luciano Chessa, Christoph Cox, Geeta Dayal, Patrick Feaster, Christoph E. Hänggi, Bart Hopkin, Douglas Kahn, Alan Licht, Andrea Lissoni, Noel Lobley, Deirdre Loughridge, Simone Menegoi, Holly Rogers, Jonathan Sterne, David Toop, John Tresch, Eric de Visscher and Rob Young, the book sets out to make a further contribution to the study of a multisensory perception of the arts.

 

INFORMATION ON THE EXHIBITION

TITLE: “Art or Sound”

VENUE: Ca’ Corner della Regina, Venice

ADDRESS:

Calle de Ca’ Corner, Santa Croce 2215 - 30135 Venice

Vaporetto Line 1 stops: San Stae and Rialto Mercato

DATES AND OPENING TIMES: June 7 - November 3, 2014; from 10am to 6pm.

Closed on Tuesdays. Ticket office closes at 5:30pm.

ADMISSION FEE:

Full: € 10

Reduced: € 8 (students under 26; holders of Carta Giovani Venezia, FAI, Rolling Venice, Touring Club Italiano or Venice Card; groups of 5 - 25 people).

Admission free: holders of the ICOM or Deutsche Bank Art Card, visitors under the age of 18 or over the age of 65, journalists with accreditation or a valid press card.

SERVICES FOR THE PUBLIC:

Guided tours, organized by Coop Culture - Venice, available by appointment: +39 041 5240119, fondazioneprada@ coopculture.it

Cost of the guided tour: 80 euros, in addition to the admission fee

BOOK:

“Art or Sound”, curated by Germano Celant, published by Progetto Prada Arte, Milan: 520 pages, 150 illustrations, cover price 70 euros (exhibition price 60 euros).

INFORMATION:

Tel + 39 041 8109161, Venice

Tel + 39 02 54670515, Milan

info@fondazioneprada.org

www.fondazioneprada.org

 

Pradasphere at Harrods

 

Prada: A cosmos of its own

 

composed of heavenly bodies

set in a complex orbit.

A universe of contradictions

and endless elaborations,

noble causes and base temptations

where idealism meets vanity,

intelligence meets passion,

fashion meets fiction.

Welcome to Pradasphere

 

Milan – 2nd April 2014: In a merger of two icons, Harrods, the world’s most famous department store, will present Pradasphere, an exuberant, month-long exhibition that traces the diverse obsessions of Miuccia Prada from fashion and accessories to art, architecture, cinema, sports and beyond. Pradasphere will be on display from 2nd to 31st May 2014 at Harrods Knightsbridge.

Located on the Fourth Floor of Harrods, the Pradasphere exhibition will follow the ever-widening ambitions of one of Italy’s most influential fashion houses, presenting a broad spectrum of historic collections, special projects, collaborations and experiments. The exhibition includes exquisite heritage items from the Prada archives; fabulous shoes and bags from the past collections; a Prada history wall that links the brand’s extracurricular projects from Fondazione Prada to America’s Cup; a screening room presenting short films from directors such as Wes Anderson, Roman Polanski and Ridley Scott; and architectural projects from Rem Koolhaas/OMA and Herzog & de Meuron.

Pradasphere comprises showcases dedicated to the central themes that have distinguished the work of Miuccia Prada, highlighting her often groundbreaking approach to fashion and the profound effect she has had on design and the definition of beauty over the course of her storied career. The showcases combine work from many collections, genres and media to illustrate the methods Prada has employed in the building of her remarkable oeuvre.

In addition to the Pradasphere exhibit, more than 40 of Harrods’ world-famous windows will be dedicated to playful installations featuring the iconic elements of the Prada brand, innovative materials, architectural elements, video installations and highlights from a capsule collection designed exclusively for Harrods. That collection will be available in a special pop-up store located on the Ground Floor. Visitors will also have the opportunity to order specially reissued ready-to-wear and accessories from Prada’s historic collections.

Helen David, Fashion Director at Harrods, promises, “Pradasphere will offer a singular experience and an opportunity to explore the remarkable breadth of the Prada vision. Visitors will also be able to shop an exclusive Prada collection that can be found nowhere else in the world.”

Designer/Curator Michael Rock adds, “Pradasphere is a portrait of one of our generation’s most creative minds. The exhibition presents, through a collection of remarkable objects, the way Miuccia Prada’s vision is made manifest in everything she touches. Pradasphere demonstrates that Prada is not so much a brand in the traditional sense of the word, but one extraordinary individual’s way of thinking, way of making, and way of looking at the contemporary world.”

Pradasphere at Harrods will be open throughout May 2014 at the world-famous Knightsbridge store.

 

 

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Prada: Un cosmo indipendente

 

composto da corpi celesti

disposti in un’orbita complessa.

Un universo di contraddizioni

e infinite elaborazioni --

cause nobili e tentazioni futili --

dove l’idealismo incontra la vanità,

l’intelligenza incontra la passione,

la moda incontra la fantasia.

Benvenuti in Pradasphere

 

Milano – 2 aprile 2014: Attraverso l’incontro di due icone, Harrods, il grande magazzino più famoso al mondo, presenta Pradasphere, una vivace mostra della durata di un mese che traccia le ossessioni polivalenti di Miuccia Prada, dalla moda all’arte, dall’architettura, al cinema, allo sport e altro ancora. Pradasphere sarà aperta al pubblico dal 2 al 31 maggio 2014 presso Harrods Knightsbridge, Londra.

 

Allestita al quarto piano di Harrods, la mostra Pradasphere seguirà le ambizioni infinite di una delle case di moda italiane più influenti al mondo, presentando un ampio spettro di collezioni storiche, progetti speciali, collaborazioni ed esperimenti. La mostra include: capi storici appartenenti agli archivi Prada; borse e calzature delle collezioni iconiche; una parete dedicata alla storia di Prada che collega tutta la rete dei progetti extracurriculari, dalla Fondazione Prada all’America’s Cup; una sala proiezioni con cortometraggi di registi del calibro di Wes Anderson, Roman Polanski e Ridley Scott; progetti architettonici di Rem Koolhaas/OMA e Herzog & de Meuron.

Il cuore di Pradasphere è composto da allestimenti dedicati ai temi centrali che hanno caratterizzato il lavoro di Miuccia Prada, sottolineando il suo approccio alla moda spesso pionieristico e la grande influenza che ha avuto sul design e sulla definizione di bellezza nel corso della sua carriera. Gli allestimenti combinano opere appartenenti a collezioni, generi e mezzi espressivi diversi per spiegare i metodi usati da Prada nella costruzione della sua eccezionale opera.

Oltre alla mostra Pradasphere, più di quaranta delle famosissime vetrine di Harrods saranno dedicate a originali installazioni con protagonisti gli elementi iconici del brand Prada, materiali innovativi, elementi architettonici, video installazioni e capi di una capsule collection disegnata esclusivamente per Harrods. La collezione sarà in vendita in uno speciale pop-up store al piano terra dei grandi magazzini. Inoltre, i visitatori avranno la possibilità di ordinare alcuni capi e accessori delle collezioni storiche di Prada in una speciale riedizione.

Helen David, Fashion Director di Harrods, promette: “Pradasphere offrirà un’esperienza e un’opportunità uniche per esplorare l’intero ventaglio della visione di Prada. I visitatori potranno inoltre acquistare una collezione Prada esclusiva che non si può trovare in nessun’altra parte del mondo”.

Il curatore Michael Rock aggiunge: “Pradasphere è il ritratto di una delle menti più creative della nostra generazione. Attraverso una collezione di oggetti incredibili la mostra suggerisce come la visione di Miuccia Prada sia evidente in tutto ciò che tocca. Pradasphere dimostra che Prada non è tanto un brand nel senso tradizionale del termine, ma il modo di pensare, creare e guardare al mondo contemporaneo di un individuo straordinario”.

Pradasphere sarà visibile al pubblico nel mese di maggio 2014 presso i celebri grandi magazzini di Knightsbridge.

 

BRITISH FASHION AWARDS 2013

 

 

WINNERS ANNOUNCED

The British Fashion Council (BFC) is delighted to announce the winners of the British Fashion Awards 2013. Voted for by over 300 individuals in the fashion industry, the winners were awarded at the annual ceremony that took place Monday 2nd December at the London Coliseum. Guests including Samantha Cameron, Donatella Versace, Kate Moss, Harry Styles, Miuccia Prada, Gwyneth Paltrow, Sienna Miller, Rosie Huntington-Whiteley and Tinie Tempah gathered to celebrate the successes of the fashion industry over the past year.

The evening saw a total of 16 awards presented to the leading figures in fashion, recognising creative talent and design excellence across all areas of the industry. The ceremony was hosted by one of the UK’s most exciting comedy talents, Jack Whitehall, and was attended by industry members, including retailers, models, celebrities and media, and for the first time this year, members of the public who purchased tickets to attend.

Natalie Massenet, Chairman of the British Fashion Council commented, “The roll call of winners announced this evening is a phenomenal display of talent in the fashion industry. The British Fashion Awards give us the chance to commend not only the winners but celebrate all of the individuals that contribute to the incredible achievements that make London the best fashion destination in the world. I’m incredibly proud to be a part of the ceremony this evening, set in the heart of our creative capital; it provides the perfect climax to a truly momentous year of British fashion.”

The prestigious Womenswear Designer of the Year accolade was awarded to Christopher Kane. The award, which is given to a designer who has been instrumental in enhancing women’s fashion, recognises a triumphant year for the London-based brand. Christopher Kane has developed a reputation as one of the most talented and innovative British designers. Securing a partnership deal with the Kering Group followed by another two internationally acclaimed ready-to-wear collections at London Fashion Week have established Christopher Kane as a leading global star.

The honour of Outstanding Achievement in Fashion was awarded to Terry and Tricia Jones by collaborator, colleague and family friend, Dylan Jones OBE. This special award is one of the most significant of the evening; it celebrates and recognises the iconic couple’s tremendous contribution to the fashion industry. i-D Magazine, founded by Terry and Tricia in 1980, became the leading source of creative inspiration for it’s generation. 30 years on, it continues to impact the fashion industry on an international scale.

To recognise the ever-increasing globalisation of the fashion industry, the International Designer of the Year award was introduced this year to celebrate an influential international designer making waves on the global fashion scene. The inaugural award was won by Miuccia Prada for Prada. Miuccia Prada, who has been named in Time magazine's list of the 100 Most Influential People of the 20th Century, is renowned for her season defining collections that consistently set the agenda of the fashion industry.

British brand Burberry enjoyed a double celebration on the evening, winning both the Designer Brand of the Year and the Menswear Designer of the Year award, which was given to Christopher Bailey for Burberry. In June 2013, Burberry presented their first menswear collection in London after more than 10 years of showing in Milan. Following Bailey’s Hockney and Bennett inspired SS14 collection at London Collections: Men, the Burberry Prorsum menswear collection is now established as an unmissable fixture on the London show schedule.

Lady Amanda Harlech received the Isabella Blow Award for Fashion Creator in recognition of her creative inspiration and influence in the fashion industry. Lady Harlech has had an unprecedented impact in defining the mood of global fashion through her career spanning three decades, working alongside creative visionaries including John Galliano and Karl Lagerfeld.

Nicholas Kirkwood was named Accessory Designer of the Year marking the third time the designer has been honoured with the award. Kirkwood’s impressive international business won the BFC/Vogue Designer Fashion Fund award this year, followed by the opening of a flagship store in Las Vegas and the launch of both a pre-collection and menswear line. Kirkwood’s iconic footwear recently gained investment from luxury goods group LVMH and is stocked internationally by over 150 retailers.

London is renowned as the fashion world’s capital of ideas and innovation and the winners of the emerging talent awards reinforce this reputation. Simone Rocha was named Emerging Womenswear Designer and is fast becoming one of the hottest tickets at London Fashion Week; Design duo Agi & Sam received the Emerging Menswear Designer award, following a breakthrough year which saw their first standalone catwalk show at London Collections: Men; and Sophia Webster collected the Emerging Accessory Designer award in recognition of her footwear label’s impressive ascent to a flourishing designer business.

J.W. Anderson has risen to the forefront of the international spotlight this year and was named the New Establishment Designer for 2013. This award celebrates London's unique talents as they transition from emerging talent to brand whilst taking the industry by storm. J.W. Anderson’s uncompromising vision for originality has gained him traction with a global audience. This award commends Anderson’s increasing stature on the international stage and ability to define the future of the fashion industry.

British model Edie Campbell was crowned Model of the Year. The past 12 months have seen Edie star in multiple international campaigns for brands including Alexander McQueen, Marc Jacobs and Lanvin, in addition to numerous editorial shoots and landing her first British Vogue cover. Dominating the SS14 catwalks, Edie walked the runway in New York, London and Paris, opening shows for Burberry, Saint Laurent and Louis Vuitton.

Erdem was the recipient of this year’s Red Carpet Award. Renowned for collections that portray femininity and modern elegance, Erdem’s fanbase comprises industry figures and celebrities alike. The Duchess of Cambridge, Gwyneth Paltrow, Samantha Cameron and Keira Knightly have all graced the red carpet in his creations, creating a global phenomenon of his designs in the media.

Decided entirely by public vote, the British Style Award brought to you by Vodafone was awarded to Harry Styles. The British Style Award recognises an individual who most embodies the spirit of London and is an international ambassador for London as a leading creative fashion capital. The pop star icon was presented the accolade by three-time British Style Award winner, Alexa Chung.

In addition to the award category winners announced on the night, Special Recognition Awards celebrated two individuals who have shaped the fashion industry over the past 25 years: Suzy Menkes OBE was honoured with the award in recognition of her 25-year career at the International New York Times, formerly the IHT; British supermodel and icon Kate Moss was acknowledged for her 25-year long career and continued influence on the fashion industry as the fashion icon of her generation.

This year, the BFC approached over 300 members of the fashion industry to vote for the winners of this year’s accolades. The panel included world leading industry insiders including journalists, buyers, influencers and opinion formers including Anna Wintour OBE, Laura Bailey, Glenda Bailey OBE, Alex Bilmes, Tim Blanks, Joan Burstein CBE, Alison Edmond, Edward Enninful, Poppy Delevingne, Dylan Jones OBE, Lulu Kennedy MBE, Jefferson Hack, Suzy Menkes OBE, Natalie Massenet MBE, Alexandra Shulman OBE, Justine Picardie and Lorraine Candy.

The BFC would like to thank this year’s British Fashion Awards Presenting Sponsors Canon, M.A.C, TONI&GUY, Vodafone and Westfield and our Sponsors American Express, Hello!, Marks & Spencer, Mercedes Benz, Patron and Warsteiner.

For more information, images from the evening highlights videos, please visit www.britishfashionawards.com


 

  

After New York... Shanghai!

 

I costumi disegnati da Miuccia Prada e Catherine Martin

per il film di Baz Luhrmann ‘Il Grande Gatsby’

ora in mostra a Shanghai

Dopo New York e Tokyo, la mostra itinerante di costumi disegnati da Miuccia Prada e dalla costumista Catherine Martin per la versione cinematografica de Il Grande Gatsby di Baz Luhrmann, è ora in esposizione a Shanghai presso il negozio Prada IFC. Ieri, 10 settembre, si è tenuto il cocktail di inaugurazione presso i negozi Prada e Miu Miu di IFC.

Catherine Martin, costumista e scenografa vincitrice di premi Oscar® e Tony®, è famosa in tutto il mondo per la collaborazione con il marito Baz Luhrmann ai film Ballroom - Gara di Ballo, Romeo + Giulietta, Moulin Rouge e alla scenografia de La Bohéme per Broadway.

L’esposizione, dal titolo Catherine Martin and Miuccia Prada Dress Gatsby, combina abiti da sera, vestiti, cappelli, calzature e gioielli a schizzi, foto di scena, filmati del backstage e trailer del film. 

Catherine Martin ha suggerito linee guida molto precise; i riferimenti e i dettagli di tessuti, colori e materiali dovevano essere quelli dell’epoca, ma allo stesso tempo moderni. Lavorando ai costumi, Miuccia Prada si è resa conto di quanti capi creati per le sfilate Prada e Miu Miu di diverse stagioni avessero uno spirito tipicamente anni ‘20 una volta integrati nella regia del film. Gli abiti, storici e assolutamente contemporanei al tempo stesso, sono realizzati in brillante lamé metallico iridescente, paillettes, taffetà di seta, pelliccia colorata e velluto, e abbinati a fantastici cappelli, calzature e accessori.

Miuccia Prada and Catherine Martin Dress Gatsby exhibition in Shanghai

L’allestimento, a cura dello studio 2x4 di New York, è composto da una serie di manichini semi trasparenti in vetroresina, illuminati da basi d’appoggio dove sono presenti anche le fotografie e una breve biografia del personaggio che ha indossato quel costume. La biografia mette in evidenza la ricchezza di dettagli con cui Catherine Martin immagina i personaggi di contorno in ogni scena. I manichini sono contestualizzati da un murale a collage che rappresenta la scena della festa in cui appaiono molti dei vestiti Prada e Miu Miu, e da grandi video dove scorrono le scene del film.

Actress Chen Ran in Miu Miu

 

Supermodel Lv Yan in Prada

 

Costumes designed by Miuccia Prada and Catherine Martin

for Baz Luhrmann’s upcoming film ‘The Great Gatsby’

on display in Shanghai

 

The travelling exhibition of selected costumes designed by Miuccia Prada and costume designer Catherine Martin for Baz Luhrmann’s film adaptation of The Great Gatsby is now on display at the Prada IFC store in Shanghai, China. The opening cocktail was held at the Prada and Miu Miu IFC stores on September 10 2013.

An Academy Award® and Tony® winning costume designer and art director, Catherine Martin is world-renowned for her collaborations with husband Baz Luhrmann on the films Strictly Ballroom, Romeo + Juliet, Moulin Rouge and the Broadway stage design for La Bohéme.

The exhibition - titled Catherine Martin and Miuccia Prada Dress Gatsby and curated by New York studio 2x4 - includes women’s gowns, dresses, hats, shoes and jewelry as well as sketches, production stills, backstage footage and film trailers.

Very strict guidelines came from Catherine Martin in terms of references and details on fabrics, colors, materials that had to be period accurate, but modern at the same time. While working on the costumes, Miuccia Prada realized how many pieces created for the Prada and Miu Miu runways in different seasons had a very ‘20s mood once integrated in the movie’s direction. At once historical and utterly contemporary, the dresses are realized in brilliant iridescent metallic lamé, sequins, silk taffeta, dyed fur, velvet and styled with fantastical hats, shoes and accessories.

The display is comprised of translucent Fiberglas mannequins lit from free-standing bases that include photographs and a brief biography of the character that wore the costume. The biographies reveal the rich and detailed way in which Catherine Martin imagines even minor characters in each scene. The mannequins are contextualized by a collage mural depicting the riotous party scene where many of the Prada and Miu Miu dresses make their appearance, and large-scale video displays that present scenes from the film.

Actor Hu Ge in Prada and Actress Tan Zhuo in Miu Miu

Actress Dong Jie in Miu Miu

Miss World Zhang Zilin in Prada

 

Model Zhang Xin Yuan in Miu Miu



Model Hao Yunxiang in Prada

 

il Premio Curate

Sono aperte le candidature per il premio “Curate” promosso da

Qatar Museums Authority e Fondazione Prada

Le candidature per partecipare a Curate, il concorso internazionale promosso da Qatar Museums Authority e Fondazione Prada che si propone di individuare nuovi talenti in campo curatoriale, possono essere presentate fino al 31 dicembre 2013 attraverso il sito www.curateaward.org

 

Curate apre nuovi orizzonti e sfida le idee correnti su ciò che normalmente s’intende per mostra, offrendo al vincitore la straordinaria opportunità di diventare il curatore della mostra che da sempre sognava.

Una giuria di fama internazionale valuterà le proposte sulla base della creatività e della rilevanza sociale, per premiare chi propone un proprio punto di vista contemporaneo e culturalmente pertinente. La selezione si focalizzerà su un’originale e lungimirante idea curatoriale in grado d’ispirare il nostro futuro. La partecipazione al concorso non è limitata ad aspiranti curatori o a personalità già affermate nel campo della curatela, ma è aperta a chiunque proponga un progetto stimolante dal punto di vista dell’espressione creativa e invita i giovani a partecipare sia a titolo personale che collaborando in gruppi.

La Giuria selezionerà venti finalisti a cui verrà data ampia visibilità sul sito di Curate. Il vincitore sarà proclamato nella primavera del 2014.

I componenti della Giuria sono: Sua Eccellenza Sheikha Al Mayassa bint Hamad Al-Thani, Presidente del Qatar Museums Authority; Miuccia Prada, Presidente della Fondazione Prada; Rem Koolhaas, architetto, teorico urbanista e fondatore dello studio OMA/AMO; Nadine Labaki, regista e attrice libanese; Nawal El Moutawakel, la prima donna di un paese a maggioranza musulmana a vincere una medaglia d’oro alle Olimpiadi; Hans Ulrich Obrist, condirettore della Serpentine Gallery di Londra.

Le proposte devono essere presentate sul sito di Curate sotto forma di un video realizzato dal partecipante di non oltre due minuti, accompagnato da un testo esplicativo di una pagina.

Come sottolineano i componenti della Giuria: “Il concetto di ‘curatela’ non appartiene più unicamente ai musei. Con lo sviluppo della comunicazione digitale e dei social media, ora tutti possono partecipare alla selezione, elaborando e comunicando le proprie idee. Ci auguriamo che a prescindere dall’età e dal contesto di provenienza, molte persone approfittino di questa irripetibile occasione offerta da Curate per riflettere sul futuro potenziale del fare mostre, in cui non vengano imposti limiti in termini di medium, dimensioni, contenuti, formati e idee, tanto in campo scientifico che artistico, e di provenienza”.

VIDEO DI PRESENTAZIONE DI CURATE: www.curateaward.org

 

TEMPISTICHE:

Chiusura per la presentazione delle candidature: ore 14.00 di martedì 31 dicembre 2013

Proclamazione dei finalisti: primavera 2014

Proclamazione del vincitore: aprile 2014

MODALITÀ DI PARTECIPAZIONE:

Per inoltrare la candidature, caricare un video e un documento di una pagina esplicativo del concept della mostra sul sito di Curate www.curateaward.org. Il video non deve superare i due minuti e i 250MB. I formati supportati sono .mov .mp4 .avi .wmv e .flv. Il documento di una pagina non deve superare le 500 parole e deve contenere la dichiarazione d’intento e l’elenco dei materiali/opere utilizzati nella mostra proposta. I formati supportati sono.doc .docx .txt .pdf.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La Giuria

Sua Eccellenza Sheikha Al Mayassa

Sua Eccellenza Sheikha Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani ha dimostrato grande lungimiranza e spirito innovativo nel campo della cultura e della formazione e un forte impegno personale nelle iniziative di solidarietà, assicurando il sostegno necessario a diverse organizzazioni attive a livello regionale e internazionale. In quanto Presidente del Board of Trustees del Qatar Museums Authority, Sua Eccellenza Sheikha Al Mayassa è fonte di ispirazione per l’ideazione dei progetti museali e culturali del futuro, ponendosi come obiettivo principale quello di trasformare lo Stato del Qatar in un centro di primaria importanza per la cultura e la formazione non solo della regione ma dell’intero pianeta. Il Museo di Arte Islamica, il progetto più prestigioso ed emblematico del Qatar Museums Authority, trasforma in realtà l’intenzione di Sua Eccellenza di creare un ponte tra Oriente e Occidente come pure tra passato e presente. Oltre a occuparsi di queste iniziative di carattere culturale, Sua Eccellenza Sheikha Al Mayassa ricopre la carica di Presidente del Doha Film Institute e di Reach Out To Asia (ROTA), organizzazione filantropica non governativa la cui missione è l’assistenza alle vittime di calamità naturali recenti, oltre che al miglioramento della qualità dell’istruzione primaria e secondaria in Asia.

 

Miuccia Prada

Affascinata dalle sfide dell’arte e della cultura contemporanea e animata da una profonda passione per il suo lavoro, Miuccia Prada dirige la Fondazione Prada da vent’anni. Insieme al marito Patrizio Bertelli, ha sviluppato la ricca e articolata programmazione della Fondazione, che si occupa di progetti di respiro internazionale nel campo dell’arte, del cinema, della filosofia e dell’architettura. Motivata ad espandere ulteriormente il raggio d’azione dell’istituzione, Miuccia Prada è attualmente impegnata nella creazione dei nuovi spazi espositivi della Fondazione Prada a Milano e Venezia.

Rem Koolhaas

Rem Koolhaas è il partner fondatore di The Office of Metropolitan Architecture (OMA). Per la sua carriera di architetto, teorico, urbanista e professore alla Graduate School of Design di Harvard, nel 2008 è stato annoverato da Time nel prestigioso elenco dei World’s Most Influential People. Dirige inoltre AMO, il think tank di OMA impegnato nella ricerca in ambiti diversi dall’architettura quali i media, la politica, le energie rinnovabili e la moda. Nel 2000 si è aggiudicato il Pritzker Prize e ha vinto il Leone d’Oro alla Carriera alla Biennale di Venezia del 2010.

Nadine Labaki

Nadine Labaki è una delle registe e attrici più acclamate della sua generazione nel mondo arabo, nota per aver infranto gli stereotipi e aver saputo trattare argomenti di grande interesse e rilevanza in modo umoristico e poetico. Per il suo primo lungometraggio, “Caramel”, premiato a Cannes nel 2007, è annoverata nella prestigiosa 10 Directors to Watch list del Sundance Film Festival. Nel 2008, ha ricevuto la prestigiosa onorificenza di Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres dal Ministro francese della cultura e della comunicazione. Il suo secondo film, “E ora dove andiamo?”, ha riscosso un successo internazionale, aggiudicandosi premi e riconoscimenti nel mondo intero oltre alla nomination come miglior film straniero dei Critics Choice Awards.

Nawal El Moutawakel

Nawal El Moutawakel è stata la prima donna di un paese a maggioranza musulmana ad aggiudicarsi una medaglia d’oro nei Giochi Olimpici ed è famosa anche per la sua intensa opera di promozione delle atlete in tutto il mondo. Nawal è originaria di Casablanca, ha vinto i 400 metri a ostacoli nelle Olimpiadi del 1984, ed è diventata quindi paladina delle donne nello sport nei paesi musulmani. Nel 1933 ha lanciato l’iniziativa Courir pour le plaisir, una corsa di 5 chilometri diventata la più importante corsa al femminile in un paese musulmano. Dal 2007 è Ministro della Gioventù e dello Sport del Marocco. Vice Presidente del Comitato Internazionale dei Giochi Olimpici, già Presidente della Commissione di Valutazione del CIO per gli anni 2012-2016, il nome di Nawal El Moutawakel appare nell’International Women’s Sports Hall of Fame.

Hans Ulrich Obrist

Curatore, critico e storico dell’arte, Hans-Ulrich Obrist è attualmente il Co-Director of Exhibitions and Programmes e Director of International Projects della Serpentine Gallery di Londra. È autore di The Interview Project (un articolato progetto in fieri basato su interviste a personalità del mondo della cultura e della creatività) e promotore delle Marathon Series (eventi aperti al pubblico finora incentrati su interviste, esperimenti, manifesti e poesia). Sostenitore degli artisti e appassionato collezionista di materiale relativi all’arte contemporanea, è stato nominato da Art Review nel 2009 Most Powerful Person in Art. Nello stesso anno è diventato Membro Onorario del Royal Institute of British Architects.

 

Organizzatori

Qatar Museums Authority

www.qma.com.qa

 

Sotto l’alto patronato di Sua Altezza l’Emiro del Qatar, il Qatar Museums Authority (QMA) consolida la leadership del paese come centro di cultura e formazione. Istituito e diretto da Sua Eccellenza Sheikha Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani, il QMA si propone di creare una rete di contatti tra pubblici diversi coinvolgendoli in una serie di iniziative che richiamano a Doha il mondo intero. Dalla sua fondazione del 2005, il QMA si occupa di conservare e proteggere siti, monumenti e manufatti d’interesse storico.

L’inaugurazione avvenuta nel 2008 del celebre Museo di Arte Islamica dell’architetto Ieoh Ming Pei, ha sancito la creazione di uno spazio destinato a favorire progetti di dialogo e formazione incentrati sulle collezioni. Dalla sua inaugurazione nel 2010, il Mathaf, il Museo Arabo di Arte Moderna, offre un’incomparabile panoramica sull’arte moderna e contemporanea nell’ottica islamica. La costruzione del nuovo Museo Nazionale del Qatar, progettato da Jean Nouvel, la cui apertura è prevista per il 2014, costituisce un’ulteriore conferma di questa visione e di questo impegno in ambito culturale.

Fondazione Prada

www.fondazioneprada.org

 

La Fondazione Prada, presieduta da Miuccia Prada e Patrizio Bertelli dal 1995, è un’istituzione dedicata all’arte contemporanea e alla cultura. Le innovative esposizioni organizzate dalla Fondazione e concepite in dialogo con i più importanti artisti contemporanei come Louise Bourgeois, Walter De Maria, Thomas Demand e John Baldessari, così come le altre attività culturali relative al cinema, alla filosofia e all’architettura hanno ricevuto un ampio consenso internazionale. I progetti speciali promossi dalla Fondazione a livello internazionale includono “Double Club” di Carsten Höller a Londra, “Prada Transformer” di OMA a Seul e “24h Museum” di Francesco Vezzoli al Palais d’Iéna a Parigi.

Nel 2011 la Fondazione Prada ha inaugurato un nuovo spazio espositivo a Venezia, Ca’ Corner della Regina, un palazzo storico affacciato sul Canal Grande in corso di restauro nei prossimi anni con l’obiettivo di offrire una stimolante programmazione culturale. Un progetto centrale del programma in campo architettonico della Fondazione Prada è la nuova sede progettata da Rem Koolhaas, la cui apertura è prevista nel 2015